Sieben Tänzerinnen und Tänzer, eingespannt in Seile und Körpergurte, schreiten aufrecht eine Museumswand entlang, als wäre die Schwerkraft reine Verhandlungssache. Als Trisha Brown „Walking on the Wall“ 1971 im Whitney Museum uraufführte, drehte sie mit einer denkbar schlichten Geste die Gesetze des Tanzes um neunzig Grad: Was im klassischen Ballett als virtuose Überwindung der Vertikalen gefeiert wird, verlegte sie in die Horizontale. Sie zeigte, dass das Gehen als banalstes aller Bewegungsmuster weder Spitzentanz noch Sprünge braucht, um der Erdanziehung zu trotzen. 

Bewegung verstand die Choreografin, die mit über hundert Arbeiten zu einer der kreativsten Figuren des postmodernen Tanzes wurde, stets als Forschung: Wo hört Alltag auf, wo beginnt Performance? Bis heute zählt „Walking on the Wall“ zu den Schlüsselwerken, wenn es um die Beantwortung dieser Frage geht. Anlässlich des 250. Jahrestags der amerikanischen Unabhängigkeit und in enger Zusammenarbeit mit der Trisha Brown Dance Company findet die Arbeit nun, neun Jahre nach Browns Tod, an der Glasfassade der Neuen Nationalgalerie einen neuen Ausgangspunkt.

Zum Auftakt der Berlin Art Week zeigt das Museum vom 09. bis 13. September 2026 die fünfte Ausgabe seines Festivals „Perform!„, kuratiert von Klaus Biesenbach, Lisa Botti und Gregor Quack. Täglich um 17 Uhr wird „Walking on the Wall“ auf der Terrasse gezeigt, am Sonntag zusätzlich um 14 und 18:30 Uhr. Daneben präsentiert die in Berlin lebende Kianí Del Valle mit ihrer KDV Performance Group die ortsspezifische Arbeit „Instrucciones para existir“ als Hommage an Trisha Brown und Replik auf den ikonischen Bau von Mies van der Rohe. 

Am Festival-Sonntag (13.09.) sind Miriam Kongstad, Deva Schubert und Josh Johnson mit von der Partie und füllen das Programm mit eigenen Stücken. Der Eintritt zu den Performances ist frei, eine Anmeldung meist nicht nötig – bei Platzmangel zählt schlicht, wer zuerst da ist. Und auch, wenn man auf der Terrasse festen Boden unter den Füßen hat, fühlt es sich beim Zuschauen zumindest mental für einen Moment vollkommen losgelöst an.

Text: Laura Storfner / Foto: Ivan Erofeev, Credits: Instrucciones Para Existir (Instructions for Existing), KDV Performance Group, 2026, Direction, Concept & Choreography : Kianí Del Valle, Original Sound Score: Devonté Hynes; Miriam Kongstad, Hard Play, 2026, Foto: Andrej Lamut

Neue Nationalgalerie, Potsdamer Str.50, 10785 Berlin–Tiergarten; Stadtplan

Perform! 09.–13.09.2026
Walking on the Wall täglich 17h (So zusätzlich 14h & 18h30)

@neuenationalgalerie

Wer bei Auktionen sofort an Sotheby’s, elitäre Kreise und fünfstellige Rekordsummen denkt, war noch nicht im Auktionshaus am Grunewald. Vom 18. bis 20. September 2026 verwandelt sich das Haus wieder in einen Ort, an dem Kunstgeschichte kein Vermögen kosten muss und Auktionen Spaß machen. Mitsteigern kann hier jede und jeder – schon mit ein paar hundert Euro bist Du dabei. Am Freitag (18.09. ab 18 Uhr) startet die Versteigerung mit rund 230 Losen, bevor am Samstag und Sonntag jeweils ab 12 Uhr mittags Hunderte weitere Werke unter den Hammer kommen. 

Das Ausstellungsplakat „Still Life with Book“ von David Hockney geht mit einer Schätzung zwischen 100 und 200 Euro an den Start. Wer nach etwas Ausgefallenerem Ausschau hält, bietet auf eine Textilarbeit von Rosemarie Trockel: Das Seidentuch „Ohne Titel“, im Originalumschlag, liegt aktuell bei 220 Euro und macht sich perfekt um den Hals – oder als Wandornament. Von Yoko Ono werden mehrere Pins aufgerufen, die man mit Trockels Tuch kombiniert an die Jacke steckt oder als Miniskulpturen arrangiert (Schätzpreis 200-300 Euro). An Entdeckungen unter 500 Euro mangelt es nicht: etwa ein Schwarzweißdruck von Félix González-Torres mit einem Startpreis von 200 Euro und ein signierter Druck von Andreas Gursky, der aktuell bei 360 Euro liegt. Oder vielleicht doch ein Wandobjekt aus Holz von Imi Knoebel im selben Preissegment? 

Der unbezahlbare Adrenalinschub kommt dann beim Bieten selbst: der Moment, in dem Du die Hand hebst, das kurze Zögern, ob Dir jemand das Werk vor der Nase wegschnappt – und schließlich das Glücksgefühl, wenn Du ein echtes Kunstwerk mit nach Hause nehmen kannst. Genau deshalb ist eine Auktion wohl eine der unterschätztesten Wochenendaktivitäten Berlins: spannender als Kino, günstiger als gedacht. Am besten schaust Du Dir die Werke vorher live an und notierst schon mal die Losnummern. Die öffentliche Vorbesichtigung läuft bereits ab morgen (11.09.) – und das Team rund um Lena Winter und Sebastian Greber verrät noch mehr über die geheimen Favoriten.

Text: Laura Storfner / Fotos: Alexander Anufriev

Auktionshaus am Grunewald, Lise-Meitner-Str.7-9, 10589 Berlin-Charlottenburg; Stadtplan

Alle Termine zur Vorbesichtigung und Auktion findest Du hier. 

@aagrunewald

Was hat Musik in einem Kunstmuseum zu suchen? Das ist eine der Fragen mit denen Co-Kuratorin Sachiko Namba die Ausstellung „Ryuichi Sakamoto | seeing sound, hearing time“ einleitet. Es ist die erste große Retrospektive des japanischen Künstlers und Komponisten in Europa. Heute Abend eröffnet sie in den Rieckhallen des Hamburger Bahnhof.

Zwischen Umweltschutz und Aktivismus, Film, Performance, elektronischer Musik und Pop – es ist schwierig, den Finger genau darauf zu legen, was Sakamoto ausmachte. Ende der 70er wurde er als Mitbegründer des Yellow Magic Orchestra in Tokio international bekannt. Die Gruppe verband elektronische Musik, Synthesizer-Technologien und digitale Produktionsweisen, lange bevor „Ambient“ und „Techno“ gängige Begriffe wurden. Ab Mitte der 2000er begann er damit, Musik im Raum zu installieren. Musik sei eine Kunstform, die nur in der Zeit existiert, sagte Sakamoto. Die Arbeit mit Klang als räumliche und visuelle Kunstform rückte zunehmend ins Zentrum seines Schaffens. Er entwickelte dreidimensionale Klangräume und arbeitete dabei eng mit Künstler:innen und Filmemacher:innen zusammen. 

Seine Installationen beschäftigen sich mit Wahrnehmung, Zeit, Natur, Technologie und Vergänglichkeit. Zusammenarbeit war dabei ein grundlegendes Prinzip seiner Kunst. Allen Kollaborateur:innen voran steht wahrscheinlich alva noto, oder Carsten Nicolai, mit dem er etwa die Filmmusik für „The Revenant“ (2015), einige Alben co-produzierte und mit dem ihn eine enge Freundschaft verband. Ein Raum wurde von ihm jetzt, dreieinhalb Jahre nach Sakamotos Tod, in der Ausstellung gestaltet: zwei Filmprojekte unterlegt von Tracks aus Sakamotos letztem Album „12“ werden dort gezeigt. Fünf große schwarz-tapezierte Installationsräume wurden insgesamt für die Schau geschaffen, allesamt geprägt von den unverkennbaren Texturen, Kratzern und Klängen des Meisters.

Man könnte Tage in dieser Ausstellung verbringen und jegliches Gefühl von Zeit vergessen, oder vielleicht vielmehr alle Zustände der Zeit durchleben und sich darin verlieren. Wie verändert Musik unsere Wahrnehmung von Zeit? Wie schafft sie Räume, in denen verschiedene Zeitebenen gleichzeitig stattfinden können? Wo kommen darin Umwelt und Kunst zusammen? Und welche Verantwortung tragen wir? Große Fragen, denen sich Sakamoto stellt, und wir uns spätestens beim Betreten der Ausstellung. Aber man solle es einfach halten zwischen all den Fragen, endet Sachiko Namba ihre Einführung. Ihr Rat: „Just enjoy the show“.

Text: Inga Krumme / Credits: Ryuichi Sakamoto „seeing sound, hearing time“, Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, abgebildete Werke: async-immersion, 2023, TIME, TIME, 2024, Ryuichi Sakamoto + Shiro Takatani & IS YOUR TIME, 2017/24, Ryuichi Sakamoto mit Shiro Takatani © The Estate of Ryuichi Sakamoto / KAB Inc.

Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, Invalidenstr.50, 10557  Berlin–Mitte; Stadtplan

Ryuichi Sakamoto „seeing sound, hearing time“ 11.09.2026 – 20.06.2027

@hamburger_bahnhof