Eine Villa am See, von Bäumen gesäumt, mit üppigen Blumen im Sonnenlicht. In „Mein Haus in Wannsee mit Garten“ (1926) hielt Max Liebermann nicht nur seinen Rückzugsort am Rand von Berlin fest – das Gemälde symbolisiert auch das Ankommen in einer eigenen Bildsprache. Im Museum Barberini kann man nun in seine Gemälde eintauchen und am 08.05.2026 im Barberini Salon die Brücken ins Jetzt schlagen. Max Liebermann hat sich frei gemalt. Inspiriert von der französischen Moderne ließ er die strengen Regeln seiner Zeit hinter sich: Am Ende seiner Karriere wurde sein Stil immer lockerer, das Spiel von Licht und Schatten immer wichtiger – manche Bilder wirken überraschend modern, fast abstrakt. Im Museum Barberini in Potsdam kann man seinen freien Pinselstrich als Vorboten einer Generation begreifen, die sich nach und nach von den Zwängen des Naturalismus loslöste. Liebermann war damit nicht allein – zusammen mit bekannten Künstlern wie Lovis Corinth, Lesser Ury und Max Slevogt sowie vielen neu zu entdeckenden Malerinnen wie Dora Hitz, Sabine Lepsius und Maria Slavona bereitete er den Weg für eine neue Generation, die Kunst anders dachte. Das Barberini führt an ihren Werken vor, dass der Impressionismus in Deutschland viel mehr war als eine bloße Nachahmung des französischen Vorbilds. Mit über 110 Werken aus mehr als 60 Sammlungen entfaltet die Schau ein großangelegtes Panorama der Kunst der 1880er bis 1930er Jahre: Leuchtende Stillleben von Maria Slavona treten neben Philipp Francks Segelschiffe und Gotthardt Kuehls ruhige Innenräume.

Am Freitag, den 08.05.2026, lohnt sich der Besuch ganz besonders. Dann ist die Ausstellung beim ersten Barberini Salon bis 22 Uhr geöffnet – perfekt für einen entspannten Abend im Museum. Das Barberini lädt zur späten Besichtigung, zu Gesprächen und Musik von Jazzvokalistin Enji ein. Inspiriert von den legendären Salons von Carl und Felicie Bernstein – engen Freunden und wichtigen Wegbegleitern Liebermanns – trifft hier Kunst auf Austausch: Moderatorin Shelly Kupferberg spricht ab 18 Uhr mit Jens Bisky, langjähriger Feuilletonredakteur der Süddeutschen Zeitung, und Künstler Christoph Niemann, dessen Illustationen regelmäßig die Titelseiten des New Yorker schmücken. Während Bisky die Brücken von Liebermanns Zeit in unsere Gegenwart in seinen Texten schlägt, nähert sich Niemann dem Maler visuell — etwa mit seinem bekannten Fliesenmosaik am Bahnhof Wannsee, nur wenige Minuten von Liebermanns Villa entfernt.

Text: Isabel Raab / Fotos: David von Becker / Credit: Max Liebermann, Kunsthaus Zürich

Museum Barberini, Humboldtstr. 5–6, Alter Markt, 14467 Potsdam; Stadtplan

Avantgarde. Max Liebermann und der Impressionismus in Deutschland bis 07.06.2026
Barberini Salon: 08.05.2026 18h. Tickets gibt’s hier. 

@museumbarberini

Einen Künstler lernt man am besten über sein Atelier kennen: Im Fall des Bildhauers Constantin Brancusi haben Berliner:innen nun erstmals und einmalig die Chance, sein Studio in einer Teilrekonstruktion zu besuchen. Denn knapp siebzig Jahre nach dem Tod des wegweisenden rumänischen Künstlers bringt die Neue Nationalgalerie das Werk nach Berlin. In Kooperation mit dem Pariser Centre Pompidou, das bis 2030 saniert wird, sind Hauptwerke, Möbel und Werkzeuge in der Überblicksschau zu sehen. 150 Werke des Künstlers führen in Berlin vor, wie er sich von der naturalistischen Form befreite und die Bildhauerei nach und nach in ein Spiel aus Licht und Bewegung verwandelte. Seine Anfänge machte Brancusi, der aus einem Dorf in der Nähe der rumänischen Karparten stammt, an der Kunstakademie in Bukarest. Anschließend gab es nur ein Ziel: das Zentrum der Avantgarde, Paris. Zu Fuß soll er sich aus Bukarest auf den Weg nach Montmartre gemacht haben, wo er Freundschaften mit einigen Stichwortgebern der Moderne, darunter Henri Matisse, Fernand Léger und Marcel Duchamp, schloss.

Auch beruflich ging es bergauf: Er ergatterte eine Position als Assistent des berühmtesten Bildhauers der Zeit – Auguste Rodin. Lange blieb er zwar nicht in dessen Studio, aber Rodin legte die Weichen für Brancusis abstrakten Durchbruch. Seine innovativen Techniken, Fragmentierung und Dynamik beeinflussten den jungen Rumänen. Einige seiner wichtigsten Arbeiten nehmen direkten Bezug auf den Mentor – darunter „Der Kuss“, der als direkte Referenz auf Rodins Marmorskulptur mit demselben Titel gilt. Brancusi entwickelte schnell seinen eigenen Stil, der von polierten Oberflächen, dem Sockel als Teil der Skulptur und reduzierten Formen bestimmt ist. Die Kunst wäre ohne Brancusi weniger schnell und weniger zielgerade dort angekommen, wo sie heute ist. Einflussreiche Minimalisten wie Isamu Noguchi, Donald Judd und Dan Flavin verdanken ihm viel. Aber auch für die Architektur und das Design setzte Brancusi neue Maßstäbe. Bei seinem ersten Besuch in New York 1926 soll er beim Anblick der Wolkenkratzer gerufen haben: „Das ist ja mein Atelier!“. Ganz unrecht hatte er nicht. Denn die in die Höhe geschraubten Gebäude haben bis heute etwas Skulpturales an sich. Norman Foster und Jean Nouvel stimmten ihm zu. Sie benannten einige ihrer berühmtestenen Bauprojekte als Hommage an den Künstler, der schon als junger Mann hoch hinaus wollte und ankam.

Text: Laura Storfner / Fotos: Constantin Brancusi, Sophie Doering / Credit: Centre Pompidou, MNAM-CCI/Dist. GrandPalaisRmn, Succession Brancusi, VG Bild-Kunst, Bonn 2026

Neue Nationalgalerie, Potsdamer Str.50, 10785 Berlin–Tiergarten; Stadtplan
Brancusi 20.03.–09.08.2026

@neuenationalgalerie

Wer die Brücke-Gruppe kennt, verbindet sie meist mit der Malerei. Die Gruppe, gegründet von den Architekturstudenten Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel und Karl Schmidt-Rottluff, gilt heute als einer der Wegbereiter der Moderne und einer der wichtigeren Vertreter des Expressionismus. Weniger bekannt, aber nicht minder relevant, ist das Kunsthandwerk, was die Gruppe geschaffen hat. Das Brücke-Museum (wer sonst) will das wieder gut machen und hat letzte Woche (05.03.2026) die Ausstellung „Kunst Hand Werk Brücke“ eröffnet. Lange war ich in keiner Ausstellung, die so feinfühlig und rundum gestaltet ist. Das Brücke-Museum erzählt den Bezug der Künstler:innen zum Angewandten in drei Kapiteln, sortiert nach Material: Metall, Holz und Textil, mit kurzem Intro vorweg. Die Materialkapitel wurden von verschiedenen Kreativen gestaltet. Der Architekt Andrea Faraguna kuratiert die Metallarbeiten in papierenen Vitrinen und lud dafür den Künstler Vittorio ein, die Interieurs zu gestalten. Angesteckt an gefaltete Papierhemden, aufgebahrt auf abgetreppten Architekturen oder gebettet auf papierenen Kissen liegen die Schmuckstücke der Brücke darin. Ich bin mir nicht sicher, wo Kunst aufhört und Handwerk anfängt. Highlights in der Auslage: Ein Zigarettentöter für Hanna Bekker vom Rath nebst ungewohnt proportionierten Brieföffnern, und der Armreif aus gedrehten Silberstreifen von Karl Schmidt-Rottluff, den ich ganz gern selbst besitzen würde, genauso wie die sechs silbernen Teelöffel, die ihm gegenüber liegen. Weiter geht’s zum Holz, und aus den gelassenen Papierwelten stürzen Besucher:innen in eklektische Collagen von Jerszy Seymour, der dieses Ausstellungskapitel gestaltet hat – eine zeitgenössische Höhle, wie er sagt. Der in den Collagen auftretende Comic-Holzwurm ist roter Faden und Vorbote des Verfalls des Holzes und führt heiter durch die opulente Gestaltung. Man ist im besten Sinne reizüberflutet, spätestens von den Designs der Brücke: Ernst Ludwig Kirchners „Bett für Erna Schilling“ dominiert dabei den Raum, mit seinen geschnitzten Köpfen als Verbindungsstücken und all den anderen kleinen Wesen, die sich in Kopfteil und Füße schlingen und winden. Drumherum angeordnet: Gefäße, richtig gute Kästchen und natürlich Bilderrahmen.

Den abschließenden Abschnitt Textil gestaltete Künstlerin Kasia Fudakowski in Kollaboration mit dem Grafiker Santiago da Silva – und die beiden hängen die Arbeiten frei in den Raum. Centerpiece ist bestimmt die textile Gestaltung für Kirchners Atelier, gestickt von Erna Schilling nach Entwürfen des Künstlers. Autor:innenschaft, gerade an der Schnittstelle Kunst-Handwerk, ist ein großes Thema und wird von der Ausstellung auch als solches behandelt. Textilarbeiterinnen (hier muss in der Regel nicht gegendert werden) sind als Co-Autorinnen vermerkt. Die Farbpalette der Brücke ist überraschend zeitgenössisch und ihre Motive mitunter fast Camp – ich könnte stundenlang vor Erna Schillings „Sonntag in den Schweizer Bergen“ nach einem Entwurf von Ernst Ludwig Kirchner stehen und mir würde nie langweilig. Überhaupt wird in dieser Ausstellung niemandem langweilig, denke ich. Für die Schau und damit einhergehende Forschung haben sich die Kuratorinnen im vergangenen Jahr selbst als Kunsthandwerkerinnen erprobt: Eine von ihnen werkelte bei Schmuckdesignerin Elisabeth Schotte, eine beim Holzbildhauer Valentin José Kammel, und eine mit Textilkünstlerin Lisa Reichmann. Nur eines der vielen Details, die zeigen, wie viel Aufmerksamkeit in die Schau floss. Und weil im Brücke-Museum Kunst nicht ohne Handwerk gedacht wird, gibt es richtig viel Rahmenprogramm. Ab nach Dahlem zum Schnitzen, Schmelzen, Sticken. Die Brücke ruft.

Text: Inga Krumme / Fotos: Nick Ash / Credit: Karl Schmidt-Rottluff; Brücke-Museum; Karl und Emy Schmidt-Rottluff Stiftung; VG Bild-Kunst, Bonn 2026

Brücke-Museum, Bussardsteig 9, 14195 Berlin–Dahlem; Stadtplan
Kunst Hand Werk Brücke bis 21.06.2026

@brueckemuseum